Sumario:
Escritura e Imagen
Servicio de Publicaciones de la Universidad Complutense de Madrid
Volumen 6 (2010) ISSN Electrónico: 1988-2416 / ISSN Papel: 1885-5687
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S . U . M . A . R . I . O / C . O . N . T . E . N . T . S
11. Editorial
Artículos / Articles
UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 7-17 (360grados.org)
Woody Allen, hermeneuta: cine y textualidad
BERTORELLO, Adrián
Palabras Clave: Texto ; Coherencia ; Subjetividad ; Mundo del texto ; Cine
Text ; Coherence ; Subjectivity ; Text’s world ; Film
Resumen: Este trabajo polemiza con la noción de texto de la hermenéutica de P. Ricoeur. Esta sostiene que la escritura es el criterio de la textualidad. El trabajo propone una concepción del texto que establece como criterio mínimo de textualidad a la coherencia semántica. Dicha posición es la que domina en la filosofía del lenguaje de M. Bajtín, la fenomenología de la comprensión textual de M. Scherner o la semiótica de J. Petöfi. Sin embargo, como estrategia argumentativa para justificar esta teoría textual no se expone el pensamiento de estos autores, sino que se analiza un texto cuyo soporte material no es la escritura, sino un film que reflexiona sobre su condición textual, a saber, la película de W. Allen Hollywood Ending.
This paper argues with P. Ricoeur’s hermeneutical notion of text, that asserts that writing is the textuality criterion. This paper proposes a conception of text that establishes the semantic coherence as the minimum criterion of textuality. This is the prevailing position in M. Bajtín ‘s philosophy of language, M. Scherner ‘s the textual understanding phenomenology, or J. Petöfi’s semiotics. However, as argumentative strategy to justify this textual theory, these authors thinking is not exposed; instead, a text is analyzed, but a text with a material support different from writing, a film that thinks about its textual condition, i.e. W. Allen’s Hollywood Ending film.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 19-45 (360grados.org)
El Nietzsche de Klossowski: de la metáfora a la metamorfosis
FERRERO CARRACEDO, Luis
Palabras Clave: Metáfora ; Antístrofa ; Metamorfosis ; Círculo vicioso ; Solecismo ; Histrionismo ; Parodia ; Simulacro
Metaphor ; Antistrophe ; Metamorphosis ; Vicious circle ; Solecism ; Histrionics ; Parody ; Simulacrum
Resumen: En la interpretación que Pierre Klossowski hace del pensamiento de Nietzsche, basada fundamentalmente en los fragmentos póstumos de su última década lúcida, tanto el juego simulador y paródico de los simulacros sobre la malla transgresora del deus dialectus solecismus, como la experiencia vertiginosa del eterno retorno bajo el signo diseminador del circulus uitiosus deus, abocan a la catástrofe ontológica como absorción del mundo verdadero y aparente por la fábula, donde, más allá del juego de las metáforas, se apela a la fuerza de la metamorfosis. Ello lleva consigo un nuevo modo de plantear las relaciones entre la metáfora y la metafísica y una singular forma de entender el acto de pensar: el lenguaje representacionista, extensivo, de la significación, del sentido, metafórico a fin de cuentas, que es el lenguaje de la ontoteología, es sustituido por una lenguaje páthico, corporante, intensivo, antistrófico, que es el lenguaje de la simulación del ser. La puesta en acción de este lenguaje páthico de la simulación lleva a Nietzsche a postular como estrategia el obstinado gesto histriónico y el metamorfoseante juego de las máscaras. Esto no ha de llevarnos, sin embargo, a la afasia y al silencio: la cuestión del lenguaje –y de la escritura– será entonces una cuestión de estilo, sin olvidar, incluso en el aforismo, que, bajo la figura del círculo vicioso, el lenguaje mismo se ha convertido en simulacro.
In Pierre Klossowski’s interpretation about the thought of Nietzsche, fundamentally based on the posthumous fragments of his last lucid decade, both the parodic and simulating play of simulacrums on the transgressing mesh of the deus dialectus solecismus and the vertiginous experience of the eternal return under de disseminating sign en the circulus uitiosus deus result in a ontological catastrophe as an absorption of both the true and the apparent world by the fable, where, beyond the play of metaphors, the metamorphosis is claimed. That brings with it a new manner to pose the relationship between metaphor and metaphysics and a singular form to understand the act of thinking: the representationist, extensive, significant, and therefore metaphoric language, that is the one of the ontotheology, is replaced by a pathic, embodying, intensive, antistrophic language, which is that of the simulation of being. The implementation of this pathic simulation language carries Nietzsche to postulate, as strategy, the obstinate histrionic gesture and the metamorphosing play of masks. Nevertheless, all that shouldn’t lead us to aphasia and silence: the question of language – and writing – would be a question of style, without forgetting that, under the figure of the vicious circle, language itself has become a simulacrum.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 47-71 (360grados.org)
El General de la Orden de Sir Galahad. Resonancias de Sir Thomas Malory en la obra de Sir Edward Burne-Jones
OBREGÓN FERNÁNDEZ, Alma
Palabras Clave: Sir Edward Burne-Jones ; Sir Thomas Malory ; Rey Arturo ; William Morris ; Leyenda artúrica ; Medievalismo ; Prerrafaelismo ; Santo Grial
Sir Edward Burne-Jones ; Sir Thomas Malory ; King Arthur ; William Morris ; Arthurian Legend ; Medievalism ; Pre-Raphaelitism ; Holy Grail
Resumen: El renacer de la leyenda Artúrica como temática fundamental en las artes visuales de la Inglaterra Victoriana fue, en muchos casos, suscitado por el impacto de las obras de Tennyson. Sin embargo, en el caso del pintor Edward Burne-Jones, el retorno de Arturo está marcado por su admiración por las fuentes medievales. Su respeto por el texto de Malory y los valores que en él localizaba, le convirtieron en adalid de la leyenda hasta su muerte, integrándola en su vida y apartándose de una sociedad que rechazaba y de unos movimientos artísticos que no comprendía. Por todo ello, sus creaciones se convierten en un estandarte del amor por el Medievo y la elección de la temática artúrica se transforma en una declaración de intenciones, no sólo axiológicas sino estéticas y, en ocasiones, un testimonio de su vida personal.
The revival of the Arthurian Legend as an essential subject in the visual arts of Victorian Britain was, in many cases, derived from the influence of Tennyson’s poetical works. Nevertheless, when it comes to Burne-Jones, his approach to the return of King Arthur is marked by his love for the medieval sources. Burne-Jone’s respect for Malory’s text and the moral principles that it promoted, led him to defend the original legend until his death, integrating it in his life and keeping himself apart not only from a society that he didn’t approve of but also from the latest artistic tendencies, which he didn’t understand. For this reason, his creations are an emblem of the love for the Middle Ages, and the choice of Arthurian subjects becomes a statement of his aesthetical and axiological principles and, sometimes, a testimony of his private life as well.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 73-85 (360grados.org)
La imagen y el fantasma
ROCHA ÁLVAREZ, Delmiro
Palabras Clave: Imagen ; Fantasma ; Re-aparecido ; Tele-tecnología ; Espectro ; Artefactualidad ; Otro
Image ; Phantom ; Ghost ; Tele-technology ; Specter ; Artefactuality ; Other
Resumen: En la época de las tecnologías, de la comunicación global y de los mass media, una deconstrucción del concepto de imagen, de su archivo y de su herencia, parece ser el camino para desmitificar aquello que relaciona la tele-tecnología con la verdad y con la conjura de los fantasmas. Al contrario, la deconstrucción de J. Derrida entiende que la tele-visión, en sentido lato, decuplica el poder de los fantasmas, su retorno. Esta deconstrucción de la actualidad pasará necesariamente por la puesta en cuestión de la frontera clásica entre real y virtual, y por el concepto de temporalidad y de presencia; al mismo tiempo que por el pensamiento de la ideología en Marx o el de la tekhné en Heidegger.
In the technological, the global communication, and the media era, a deconstruction of the concept of the image, of its archive and its heritage, might be the way to demystify that which puts tele-technology in relation with truth and the conjuring of phantoms. In contrast, Derrida’s deconstruction understands television, widely understood, as greatly increasing the power of phantoms, the return of this power. This deconstruction of actuality will have necessarily to proceed by way of questioning the classical border between the real and the virtual, by way of the concept of temporality and of presence, as well as by way of Marx’s thinking on ideology and by Heidegger’s on tekhné.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 87-127 (360grados.org)
In tristitia hilaris, in hilaritate tristis: Lope de Vega y la figura de Demócrito y Heráclito
VILA BAUDRY, Bérénice
Palabras Clave: Giordano Bruno ; Lope de Vega ; Figura ; Demócrito y Heráclito ; Reír y llorar ; Mezcla de tonalidades
Giordano Bruno ; Lope de Vega ; Figure ; Democritus and Heraclitus ; Laugh and cry ; Mélange des genres
Resumen: En el contexto de la crisis de la episteme europea y de la puesta en cuestión de los principios de la estética aristotélica fundada sobre la unidad y la separación de los géneros, la fórmula de Giordano Bruno In tristitia hilaris, in hilaritate tristis sirve de introducción a lo que podría ser considerado como su imagen equivalente: la figura formada por el filósofo que ríe y por el filósofo que llora, Demócrito y Heráclito. La pareja de filósofos parece igualmente construir, en el campo de las representaciones, una figura de resistencia a la lógica aristotélica, pues indica que la identidad puede ser dual, reunión de extremos: Demócrito y Heŕaclito son a la vez diferentes y semejantes. Esta figura de Demócrito y Heráclito, que ha conocido una amplia difusión en la Europa de los siglos XVI y XVII, ocupa un lugar particular en la obra de otra figura de la resistencia a los principios aristotélicos: Lope de Vega. El análisis de dos textos en los que la figura de los filósofos es citada y en los cuales Lope de Vega entra en escena, ya sea directamente, ya sea de forma disimulada bajo la máscara de un personaje (el de don Fernando en La Dorotea), deja entrever que la utilización del topos antiguo por parte del poeta va más allá de la simple referencia erudita. En efecto, la figura de Demócrito y de Heráclito aparece allí a la vez como un doble del poeta y como un operador estético inscrito en el corazón de su obra.
Put in the context of the crisis of the European episteme, during which the principles of Aristotelian aesthetic based on unity and separation of genres got challenged, Giordano Bruno’s phrase In tristitia hilaris, in hilaritate tristis works as an introduction to what could be considered as its associated image: the figure formed by the philosopher who laughs and the philosopher who cries, Democritus and Heraclitus. It seems as well that within the frame of representations, the union of the two philosophers stands for a figure of resistance to Aristotelian logic, as it points to the possibility that identity can be dual, a reunion of the extremes: Democritus and Heraclitus are different, yet similar. The figure of Democritus and Heraclitus has known a wide diffusion in 16th and 17th century Europe, and holds a special place in the works of another figure of resistance to Aristotelian principles: Lope de Vega. The analisis of two texts in which the philosophers’ figure is quoted and in which Lope de Vega appears himself, either directly or under the mask of a character (e.g. Don Fernando in La Dorotea), unveils how the use of the ancient topos by the poet goes well beyond the mere erudite reference: the figure of Democritus and Heraclitus appears as the poet’s double and an aesthetic operator deeply rooted in Lope de Vega’s works.
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113-126. Cuaderno de imágenes “Tinterías” Santiago Mayo
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 129-145 (360grados.org)
De ratones y hombres. Maus, de Art Spiegelman
FAXEDAS BRUJATS, M. Lluïsa
Palabras Clave: Cómic ; Maus ; Art Spiegelman ; Holocausto
Cómic ; Maus ; Art Spiegelman ; Holocaust
Resumen: En este artículo se analiza el libro de cómic Maus, de Art Spiegelman (1986- 1991), desde una doble vertiente: como obra de arte que trata el tema del Holocausto, y como un cómic que subvierte la tradición ficcional del género y abre sus puertas a la historia y a la narración de la realidad. Así, por una parte Maus aparece como el primer cómic en tratar a fondo el tema del Holocausto, escrito por un testigo de segunda generación, que por lo tanto incorpora no sólo una historia de supervivencia sino también la pervivencia del trauma en el contexto familiar. Por otra parte, el análisis de las estrategias a través de las cuales Maus revisa y subvierte algunos de los elementos más característicos del cómic tradicional permite ver como Spiegelman utiliza el género por primera vez para explicar, no ya una ficción, sino un auténtico relato histórico y biográfico.
This article analyses the comic book Maus, by Art Spiegelman (1986-1991), as a work of art dealing with the Holocaust, and as a comic that subverts the fictional tradition of the genre, opening itself up to history and the narration of reality. Maus, the first comic book to treat the topic of the Holocaust in depth, was written by a second-generation witness. It is a story of both physical survival and enduring trauma in the family. At the same time, an analysis of the strategies by which Maus revises and subverts some of the most characteristic elements of the traditional comic reveals how Spiegelman has used the genre to recount, instead of fiction and for the first time, a historically authentic biographical tale.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 147-173 (360grados.org)
La ciencia en el infierno: Blumenberg y el hombre-árbol de ‘El jardín de las delicias’
FRAGIO, Alberto
Palabras Clave: Hans Blumenberg ; El Bosco ; Hombre-árbol ; Dante ; Ulises ; Ciencia moderna
Hans Blumenberg ; Bosch ; Treeman ; Dante ; Ulises ; Modern science
Resumen: En este artículo exploramos las conexiones entre el cuadro del Bosco El jardín de las delicias y la obra de Hans Blumenberg. Proponemos que el hombre-árbol del infierno musical, en la versión de uno de los imitadores anónimos del Bosco, puede servir para ilustrar no sólo buena parte de los planteamientos histórico-filosóficos de Blumenberg, sino los orígenes culturales de la ciencia moderna tal y como los presenta el propio Blumenberg en sus célebres trabajos Die Legitimität der Neuzeit [1966] y Die Genesis der kopernikanischen Welt [1975]. Nuestro recorrido atiende en especial a la tradición iconológica cristiana, representada en el tríptico del Bosco y en la Divina Comedia de Dante.
This paper aims to explore the relations between Bosch’s The Garden of Earthly Delights and Hans Blumenberg’s work. I propose a detail that belongs to the section of the Hell, the treeman, in the version produced by an anonymous follower of the Bosch, as a key to understand Blumenberg’s history and philosophy but also his view on the cultural origins of modern science, developed in Die Legitimität der Neuzeit [1966] and Die Genesis der kopernikanischen Welt [1975]. I focuse on Christian iconological tradition, represented in Bosch’ triptych and Dante’s Divine Comedy.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 175-187 (360grados.org)
Deseo y acontecimiento en El cielo sobre Berlín
SOTO MORENO, Erika
Palabras Clave: Deseo ; Deconstrucción ; Narración ; Teoría fílmica ; Memoria histórica
Desire ; Deconstruction ; Narration ; Film theory ; Historical memory
Resumen: El objetivo de este artículo es analizar el film de Wim Wenders “El cielo sobre Berlín” desde una perspectiva filosófica, tomando como discursos de referencia la crítica del sujeto soberano llevada a cabo por la deconstrucción a partir de conceptos como el deseo o las consideraciones desarrolladas por Walter Benjamin en torno a la narración. Todo ello, sin perder de vista las aportaciones de la teoría fílmica contemporánea. Dicho análisis descubre en la película una autopoética de su autor, así como una determinada manera de entender la memoria histórica y la apuesta por la posibilidad de una relación en la que uno de los sujetos no pretenda apropiarse del otro o disolverlo en sí.
The purpose of this article is to analyze Wim Wenders’ film “Wings of Desire”, taking as background discourses the sovereign subject critique carried out by deconstruction and based on concepts as desire or the considerations developed by Walter Benjamin around narration. All of that, without forgetting the contributions of contemporary film theory. The above-mentioned analysis finds out in the film an autopoetics of his maker, as well as a certain way of understanding historical memory and the bet on the possibility of a relationship in which one of the subjects doesn’t expect to appropriate or dissolve the other.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 189-211 (360grados.org)
La tipografía ilegible. Los alfabetos afásicos y las letras mutiladas de Ana Sánchez
CARRASCO, Mª Isabel
Palabras Clave: Ana Sánchez ; Escritura ilegible ; Tipografía ; Juego ; Hallazgo ; Collage ; Censura
Ana Sánchez ; Illegible writing ; Typography ; Game ; The find collage ; Censorship
Resumen: La obra plástica de Ana Sánchez parte de la escritura, regresa a ella y en este proceso la palabra escrita resurge cargada de valor icónico tras haber sido privada del representativo. Así, la materia básica con la que trabaja son los textos −siempre encontrados− que somete a largos y minuciosos procesos (juegos, diría ella) de recorte hasta hacerlos irreconocibles, y después disponerlos de nuevo sobre una superficie creando una suerte de trazos que sugieren textos de imposible lectura. Su obra desafía nuestra mirada puesto que en el modo en que percibimos lo visible, tendemos a separar escritura e imagen. Sus series son un excelente ejemplo del protagonismo de la escritura en el arte contemporáneo, en la línea de las escrituras restauradas y dignificadas del marco teórico del postestructuralismo, además de ofrecer una oportunidad para estudiar los recursos del hallazgo, la recuperación, el juego, el collage, o la censura en el arte.
The plastic work of Ana Sanchez departs from and returns to writing and in the meanwhile the written word rebirths embodied with iconic value after having been deprived of the representative one. Thus her basic medium are texts –always found− which are submitted to long and meticulous processes (games, as she would refer to them) of cutting to the extent of rendering them unrecognizable; letters are located again on a surface creating a kind of strokes which suggest illegible texts. Her work defies our gaze because we look at writing and image differently due to the way in which we perceive the visible. Her series epitomize the significance of writing in contemporary art in keeping with the restored and dignified writings of Post structuralism framework theories. Besides, her work implies an opportunity to study concepts such as the find, the recuperation, the game, the collage, or the censorship in the context of art.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 213-227 (360grados.org)
Cine de lo real desde Barcelona: espacio, sonido, sugerencia
COMELLA, Beatriz
Palabras Clave: Cine de lo real ; Sonido ; Silencio ; Sugerencia ; No ficción ; Barcelona ; Espacios vacíos
Cinema of the real ; Sound ; Silence ; Suggestion ; Blurry boundaries ; Barcelona ; Empty spaces
Resumen: Este artículo analiza el uso que varios documentalistas hacen de espacio y tiempo en sus últimos trabajos. En concreto, se habla de películas de José Luis Guerin, Joaquim Jordà, Ricardo Íscar, Isaki Lacuesta, Ariadna Pujol y Lupe Pérez. Aunque procedentes de diversos lugares, Barcelona es la ciudad donde estos cineastas han encontrado el ambiente adecuado para un cine creativo e innovador: un cine que establece pocas fronteras entre ficción y no ficción. Todas las películas tratadas en este artículo tienden hacia una narrativa fragmentada y un estilo de edición en el que se dejan espacios vacíos, abiertos a la interpretación del público. Muchos de estos filmes utilizan el sonido, incluso el silencio, para añadir nuevos significados a las imágenes, de formas sorprendentes, a veces inquietantes, y metafóricas.
This paper analyzes how space and sound are used by several documentary filmmakers in some of their late works. Although coming from different places, Barcelona is the city where, as many others in the last ten-twelve years, they have found proper environment and conditions for a creative, innovative cinema. A cinema with no boundaries between fiction and non fiction. All of these films tend towards a fragmented narrative and editing style which leaves empty spaces to suggestion. Many of these films, as well, use sound – voice, music, even silence – to add new meanings to images, in a surprising, disturbing or metaphorical way. Films by Jose Luis Guerin, Ricardo Iscar, Mercedes Alvarez, Joaquim Jorda, Ariadna Pujol, Isaki Lacuesta or Lupe Perez, all of them, as well, related to Master de Documental de Creacion in Pompeu Fabra University.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 229-239 (360grados.org)
L’image chez Tōru Takemitsu
KREIDY, Ziad
Palabras Clave: Takemitsu ; Música ; Lenguaje ; Naturaleza ; Jardín japonés ; Bachelard
Takemitsu ; Music ; Language ; Nature ; Japanese garden ; Bachelard
Resumen: Este artículo trata de profundizar en los orígenes de la estética musical de Tōru Takemitsu a través de dos líneas de estudio: de una parte nos remite a la tradición japonesa que trata el arte como armonía paralela a la naturaleza –especialmente desde la estética del jardín japonés que nutrió al Impresionismo europeo–, y de otra parte trata de analizar las aportaciones del pensamiento de Gaston Bachelard a la propuesta de este músico japonés.
This article aims to scrutinize the origins of Tōru Takemitsu’s musical aesthetics across two lines of study: on one hand, it refers us to the Japanese tradition that treats Art as an harmony parallel to nature –specially from the aesthetics of the Japanese garden that it nourished to the European impressionism–, and on the other hand it attempts to analyze the contributions of the thought of Gaston Bachelard to the proposal of this Japanese musician.
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UCM - Escritura e Imagen. Vol. 6 (2010): 241-265 (360grados.org)
Las polémicas sobre Cicerón en el renacimiento europeo
GARCÍA GALIANO, Ángel
Palabras Clave: Poética ; Renacimiento ; Humanismo ; Imitación ; Ciceronianismo
Poetics ; Humanism ; Renaissance ; Imitation ; Ciceronianism
Resumen: El presente texto estudia las polémicas sobre la imitación de Cicerón en el contexto del primer humanismo renacentista italiano (siglo XV) y cómo luego se extendió por toda Europa en el siglo siguiente implicando a algunas de las más ilustres cabezas del momento, como Poliziano, Pietro Bembo, Erasmo o El Brocense, los cuales intentaban explicitar ideológicamente lo que desde Dante y, sobre todo, Petrarca era un lugar común de la Poética renacentista: la imitación de los modelos latinos con el afán de emularlos en las, aún así llamadas, lenguas vulgares. Un subproceso muy interesante de esta polémica fue el de su deriva teológica en cuanto que la Iglesia de Roma (a través de Bembo, Cortese o Sadoleto) se apropio el estilo ciceroniano y la imitación simple como modelo de contención de una temida libertad estilística porque, ya se sabe, toda innovación formal lo acaba siendo, necesariamente, de contenidos y de visiones del mundo.
The present text studies the polemic on the imitation of Cicero within the context of the early Humanistic Renaissance in Italy (15th century), and how it later spread throughout Europe in the following century, in such a way that some of the most eminent minds of the time, such as Poliziano, Pietro Bembo, Erasmus or El Brocense, became involved in it. These men tried to make ideologically explicit what had been commonplace in Renaissance poetics since Dante and, above all, since Petrarch: the imitation of Latin models with a view to their emulation in what were still called vulgar languages.A very interesting subprocess within this polemic was its theological derivation, as the Roman Church (through Bembo, Cortese and Sadoleto) appropriated the Ciceronian style and simple imitation as a model for containing the much-feared stylistic freedom -- for, as is well known, every formal innovation eventually leads, necessarily, to innovation in contents and worldviews.
267. Fe de errores
268. RESEÑAS
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