Quodlibet. Revista de Especialización Musical

Servicio de Publicaciones de la Universidad de Alcalá

Nº 44   (2009. Mayo-Agosto)                                   ISSN: 1134-8615

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Contenido

UAH - Quodlibet. Revista de Especialización Musical, 44 (2009):                 (www.360grados.org)

Música electrónica en vivo 
       Nicolas Collins
 
  Hace más de cien años que los compositores usan la tecnología electrónica para producir nuevos sonidos y maneras de organizarlos. Thaddeus Cahill patentó el telarmonio –una máquina de más de 200 toneladas que parecía una central eléctrica– en 1897. En 1920 aparece el theremin, del inventor ruso del mismo nombre, paradigma de la representación física del sonido futurista, y poco después aparecen las ondas Martenot (1928) y el trautonio(1928).
A partir de 1940 el innovador John Cage experimenta con la indeterminación, la inestabilidad e impredecibilidad de electrodomésticos y tocadiscos redefinidos, en las que los intérpretes a veces provocan “accidentes” musicales. Cage ejerce una profunda influencia sobre las generaciones futuras de compositores estadounidenses. La música electrónica estadounidense de la década de 1970 se caracteriza por un espíritu tecnológico, popular pero ditirámbico, que proponía la interpretación guiada por la intuición. Steve Reich experimenta con la asincronización y David Tudor construye sus propios sintetizadores. Otros compositores usan la electrónica para articular fenómenos acústicos y, a veces, sociales también, investigando con música de culturas no occidentales. Son los precursores de la música interactiva por ordenador de la década siguiente. En Europa, la colaboración entre compositores y técnicos, una tradición bien establecida y financiada por el estado, perpetuaba la producción de música elaborada en estudios.
Durante los ochenta aparecen los ordenadores, que relegan a los circuitos caseros al anacronismo. El pinchadiscos se convierte en el instrumento electrónico más visible de las décadas de 1980 y 1990, constituyendo los fundamentos del ‘hiphop’.
Los primeros años del nuevo milenio han visto el auge de movimientos de música electrónica multimedia e instalaciones interactivas que difuminan la distinción entre pop y vanguardia, música y reportaje, e incorporan sonido a vídeo, escultura, cine y arte en la red, provocando la participación activa del espectador, trasladando la actuación del escenario público al espacio privado doméstico. El intercambio libre de archivos en la www ha hecho asequible la publicación y promoción propia y el acceso del público a un gran espectro de grabaciones. No obstante, la misma incorporeidad de la red informática ha servido para subrayar el significado de la actuación física real, provocando intentos para reestablecer el contacto entre máquina e intérprete.
 
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UAH - Quodlibet. Revista de Especialización Musical, 44 (2009):                 (www.360grados.org)

El piano y el siglo XIX
       Leon Plantinga
 
  En el siglo XIX el pianoforte asumió los cometidos tradicionales del clavecín como ejecutor del bajo cifrado, teclado acompañante e instrumento didáctico y, gracias a las inéditas posibilidades que brindaba, se convirtió además en la herramienta de laboratorio favorita entre los compositores para probar nuevas ideas y texturas. La música, elemento fundamental de la interacción social de la sociedad culta y elegante tradicional, pasó así a desarrollarse en torno al piano.
El nuevo orden social propiciado por las revoluciones de principios de siglo, el auge y abaratamiento de la producción que trajo la Revolución industrial y el interés de los compositores, pianistas y fabricantes en las posibilidades del nuevo instrumento hicieron posible su mejora y difusión a gran escala convirtiéndolo en una máquina moderna. La asequibilidad y sofisticación técnica y creativa sin precedentes, reforzada por el esfuerzo que emprendieron las editoriales de música –con ayuda de la publicidad– para dirigir su actividad al nuevo y lucrativo mercado doméstico, provocaron una explosión espectacular del mercado pianístico, e hicieron posible que el piano, símbolo del éxito y de la sensibilidad, también pasara a ser un mueble familiar en los salones domésticos de los aficionados de la clase burguesa.
Algunos pianistas, liberados de las exigencias de los patrocinadores nobles o eclesiásticos, alcanzaron un grado de especialización sin precedentes y dieron origen en los salones de París a una nueva casta: el virtuoso de concierto internacional, capaz de inverosímiles proezas técnicas, casi diabólicas. La demanda de música fácil para los aficionados dio un nuevo impulso a la sonata y el Lied, ahora con acompañamiento, así como a nuevas especies de música de cámara con piano. A su vez, el piano fue testigo del pronunciado dualismo del mundo romántico del siglo XIX, tanto en la era clásica de principios de siglo, caracterizada por las ideas de Hoffmann y Schopenhauer, como durante el auge del positivismo y el realismo, el pensamiento científico y el progreso tecnológico e industrial de las postrimerías del siglo.
Así, el piano, sofisticada máquina moderna y mueble de calidad, se convirtió en el instrumento predilecto tanto en las salas de concierto como en las familiares, hegemonía de la que sigue disfrutando a principios del siglo XXI.
 
 
  
Dossier:  MÚSICA Y POESÍA EN EL ROMANTICISMO ALEMÁN  
       
 
UAH - Quodlibet. Revista de Especialización Musical, 44 (2009):                 (www.360grados.org)

Goethe en la historia del lied alemán
       Eustaquio Barjau
 
  En este artículo, además de situar a Goethe en la historia del lied alemán, se intenta aventurar algunas razones que expliquen, por una parte, el escaso interés que en este autor despertaron las canciones que sobre textos suyos compusieron Schubert y Beethoven y, por otra, la confianza que en este sentido mereció en él un músico hoy en día prácticamente desconocido como es Carl Friedrich Zelter. Para ello se estudia la estructura y la historia de aquella forma musical echando mano de estas tres parejas de conceptos: música-“letra”, verso-prosa y contenido-forma (de los textos a los que se pone música).
 
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UAH - Quodlibet. Revista de Especialización Musical, 44 (2009):                 (www.360grados.org)

In der Ferne: el Rellstab de Schubert
       Richard Kramer
 
  Schwanengesang es el título póstumo del último ciclo de canciones de Schubert, compuesto a su vez por dos series de poemas de Rellstab y Heine que el propio Schubert agrupó y reordenó. Mientras que el segundo ciclo tiene una tenue historia conductora, no parece tan claro que podamos hablar de ciclo en el caso de Rellstab; según el autor, a pesar de no cumplir con los requisitos tradicionales, existen elementos semánticos y sintácticos de las canciones y el texto que lo justifican. De hecho, la tonalidad de si menor es un elemento importante en el ciclo, un auténtico elemento expresivo. Schubert la emplea profusamente en momentos claves de muchos de sus lieder. El autor analiza diferentes canciones del Schwanengesang y de otros ciclos, sus conexiones, el plan tonal y el empleo de las quintas paralelas que tantos debates suscitó, además de estudiar la influencia que ejercieron las Seis Bagatelas de Beethoven en Schubert y que según Kramer representan, junto con las canciones de Rellstab, una nueva forma de entender la forma romántica.
 
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UAH - Quodlibet. Revista de Especialización Musical, 44 (2009):                 (www.360grados.org)

Una canción de amor : ‘Von ewiger Liebe’ [‘Del amor eterno’] de Brahms
       Jonathan Dunsby
 
  El autor del presente artículo estudia desde un punto de vista schenkeriano, la canción de Brahms ‘Von ewiger Liebe’. Explora las sutiles relaciones existentes entre texto y línea melódica, las cuales evidencian el dominio de Brahms al crear una música que se adapta a los mínimos pliegues del texto y resalta los diferentes elementos expresivos. Reciben, asimismo, una merecida atención , la estructura, las características armónicas y aquellos recursos estilísticos que, combinadamente, hacen de este Lied una pequeña obra maestra.
 
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UAH - Quodlibet. Revista de Especialización Musical, 44 (2009):                 (www.360grados.org)

Dichterliebe: Análisis Músico-Poético 
       Beate Julia Perrey
 
  El artículo comienza repasando algunos de los principales conceptos filosóficos y artísticos del movimiento romántico, especialmente el llamado “tiempo poético” (o lo que es lo mismo, la percepción temporal de una obra de arte), y el modo en que Schumann adoptó y ayudó a elaborar dichos conceptos. A continuación se realiza un estudio poético del poema de Heine “Ich hab’im Traum geweinet”, y finalmente se analiza la adaptación musical que Schumann realizó de dicho poema en su ciclo Dichterliebe, prestando especial atención al modo en que el contenido poético del poema es sublimado en las decisiones formales, melódicas, armónicas, texturales y tímbricas que Schumann adoptó al componer la música
 
 
  
Separata 
 
Tras el horizonte
       Carlos Satué